Componiendo para la clase de música
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Componiendo material para la clase

Ya tenemos una nueva composición para trabajar con los alumnos en la clase de 2º de la ESO.

Tenemos unas clases de treinta alumnos, un espacio pequeño, falta de material… Las clases no son fáciles de montar cuando nos encontramos con estas barreras, y es por eso que en estas situaciones es cuando más necesitamos de la creatividad…

Crear una composición para los alumnos en tu clase es una tarea divertida y bonita si se realiza con gusto.

¿Cómo crear una composición para nuestra clase?

Parece algo muy complejo, pero si se siguen los siguientes parámetros no tendremos muchos problemas.

Pieza percu

  • Decidir cuantos papeles crearas en tu composición. La recomendación es hacer grupos grandes por cada papel, ya que si se ha de practicar por grupos es más práctico.
  • Idear diferentes timbres o materiales. Aunque no dispongamos de instrumentos, es importante que los alumnos cambien de timbre en las interpretaciones; las hace más ricas y bonitas, además de requerir estar atentos a los alumnos en las pausas.
  • Hacer diferentes niveles de complejidad en los papeles, para que todos los alumnos puedan superar la lectura e interpretación de la pieza.
  • Establecer una forma sencilla con repeticiones, para que sea de fácil entendimiento y el proceso de aprendizaje sea ágil.
  • Poner siempre algún elemento que los alumnos no conozcan en la partitura para que puedan preguntar e interesarse. De esta manera se incentiva la participación y la curiosidad.

niños jugando música
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Enseñar música es jugar con los alumnos

Hace ya un buen tiempo que docentes, profesores y especialistas en la educación musical se pusieron de acuerdo en ciertos parámetros comunes: unos objetivos a los que todo docente musical ha de aspirar y debe alcanzar:

  1. Desarrollo de las destrezas musicales: entre estas podemos encontrar el dominio de la lectura y escritura, la interpretación y la expresión musical.
  2. Obtener una capacidad de comprensión y apreciación reflexiva y abierta de los fenómenos musicales

Así visto parecen unos parámetros del todo coherentes, incluso evidentes, pero…

¿Por qué le cuesta tanto al docente salir del primer punto?

Tradicionalmente la educación musical ha venido «auto-limitándose» al aprendizaje de la música escrita y leída, dejando de lado el crecimiento y desarrollo sensitivo y emocional del aprendizaje.

Clase música niños
Clase música niños

Para poder transmitir de forma adecuada estas dimensiones, la sensitiva y la emocional, y para lograr un aprendizaje más íntegro, el docente ha de volver a ser un niño. No se trata de olvidar lo aprendido, sino de volver a experimentar, de permitirse descubrir, sorprenderse y jugar. Si el punto de partida es ese estado humildad y de pureza que se encuentra con nuestro «niño interior«, el aprendizaje será un juego, una experiencia singular y exclusiva que se convertirá en amor por la música.

«La música expresa todo aquello que no puede decirse con palabras
y no puede quedar en el silencio«

Víctor Hugo

Un fenómeno curioso que se me repite constantemente en las conversaciones que mantengo, es cuando sale el tema de la música con alguna persona que no ha podido profundizar en este tipo de experiencia que trato de transmitir. Entonces… caen esas recurrentes frases, como una gran jarra de agua fría…

«La música no es lo mío, no me gusta»
«Si yo me esforcé y quería aprender, pero se me da fatal»
«No canto porque no afino»
«No toco porque no tengo ritmo»

Si reflexionamos ante estas reacciones, se ve claramente un rechazo a disfrutar de la música, de vivirla y experimentarla… Porque las vivencias que han tenido se han centrado en el primer punto, en la lectura y escritura musical, y han reducido la intención de descubrir y aprender de estas personas.

Volver a sentir ese niño musical que tenemos va a permitir llegar a estas personas y otorgarles buenas experiencias y vivencias musicales. Aprender un lenguaje como lo es la música implica sentirlo, copiarlo, experimentarlo, jugar con él. El método correctivo, explicar basándose en si está bien o mal leído o escrito no nos va a permitir pasar por todo el proceso que requiere este aprendizaje.

Cuentos musicales portada
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Piano actual – Cuentos musicales para niños de 7 a 99 años

Hoy recomendamos un maravilloso libro de música que nos servirá para preparar sesiones de nuestra programación a más de uno.

Piano actual – Cuentos musicales para niños de 7 a 99 años,

de Liliana Maffiotte.

Al acabar su carrera musical y docente, Liliana Maffiotte dedicó su nuevo tiempo libre a escribir esta obra, que después fue editada y distribuida por Ediciones Boileau.

Se trata de una recopilación de cuentos musicalizados con el piano, usando recursos sonoros y técnicos sencillos de la música contemporánea. Cada efecto describe una acción o un elemento del cuento: goteo de lluvia, sol resplandeciente, etc.

Con este fantástico material, cualquier persona sin necesidad de tener conocimientos previos de música o piano, puede musicalizar una historia. Al leer los cuentos junto con la partitura se familiarizarán rápido con las grafías más usuales de la música contemporánea, que son tan diferentes a las que estamos acostumbrados tradicionalmente. Los cuentos los podemos en castellano, inglés o catalán.

grafía musical contemporanea
Un ejemplo de cómo tocaríamos las gotas de la lluvia.

Este libro fue pensado para llegar a todos los públicos y todas las edades (por eso su propio título), habiéndose sorprendido incluso la misma autora por la infinidad de posibilidades y aplicaciones que ha demostrado tener.

Liliana ha podido comprobar la funcionalidad de su material no sólo en el mundo académico de la música del que proviene, sino que ha podido usarlo en ámbitos propios de la musicoterapia: niños hospitalizados, adultos con necesidades especiales, reclusos en prisiones, e incluso familias en riesgo de exclusión.

 

Hay que decir que el instrumento a utilizar ha de ser melódico, ya que utiliza mucho las diferentes alturas y registro de los sonidos.


Si eres músico, musicoterapeuta o profesor de música seguro que te encantará este material para usarlo en tus sesiones.

Si por lo  contrario no vienes del mundo de la música te encantará también, ya que está pensado también para ti.

Percussion Group
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Percusión: una gran herramienta social

Si has dado a parar a este post significa que estás interesado en la educación musical o en el trabajo socio-músico-cultural con las personas, y este texto va precisamente de eso: de cómo la percusión, un elemento entre otros de la música, mejora nuestras habilidades sociales y comunicativas.

La percusión es, junto con la voz, el instrumento más antiguo que se conoce, habiendo estado siempre presente en la vida de las personas. Todos tenemos un ritmo vital, un ritmo cardíaco, otro ritmo diferente para caminar, para correr… Cada persona lo lleva sin ser consciente, sin prestarle ningún tipo de atención.

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Tocar percusión en comunidad implica ya que ha de haber una previa citación para reunirse y una disponibilidad de construir y crear en conjunto y compartiendo. Un Círculo de Percusión es un acontecimiento social por naturaleza, siendo el ritmo y los sonidos percusivos el elemento principal para llevar a cabo la comunicación. En una actividad de este tipo cada participante tiene algo único y propio que decir y se le otorga un lugar para ello, manteniendo el nivel de protagonismo individual nivelado siempre.

La escucha activa es la base de la cooperación.

 

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Para hacer un «combo» de percusión nunca es necesario tener conocimientos previos, ni tan solo es real cuando un participante te explica que tiene poco ritmo o poca coordinación; todos los niveles encajan en esta actividad.
El resultado final de la percusión comunitaria no es un concierto que se valore por su belleza o estética. Esta dinámica busca simplicidad y sensación de pertenencia al grupo; se trata de una vivencia tribal y creativa, donde la improvisación y la comunicación son clave.


¿Dónde puede ser útil este tipo de actividad?

La percusión en comunidad es perfecta para infinitud de sectores de la población: amenización de fiestas, reducción de estrés, alumnos con necesidades especiales, formación reglada en los colegios e institutos, etc.

Puede ser utilizada en cualquier entorno: pedagógico, artístico, musical, social, terapéutico, etc.

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STEP (2017) – La película

STEP es la historia de la vida real del equipo de step de la escuela femenina en el corazón de Baltimore. Parece ser que a estas jóvenes mujeres el mundo no les quiere sonreir, pero aprenden a reír, amar y prosperar, dentro y fuera del escenario, incluso cuando todo parece ir en contra. Con la ayuda y motivación de sus maestros, compañeros de equipo, consejeros, entrenadores y familias, persiguen sus sueños más importantes: ganar un campeonato de Step dancing y ser aceptadas en la universidad.

La escuela femenina en la que ocurre el filme tiene el propósito de lanzar exitosamente cada año una promoción nueva de estudiantes exitosos, que acaben su programa y sean además aceptados en la universidad. Este proyecto no es sencillo si se tiene en cuenta el contexto socio-económico en el que se encuentra esta escuela.

Una película-documental realista, inspiradora y emotiva, con todos los elementos para que te llegue al corazón. Si te gusta la música y te gusta la educación te encantará esta película.

Dirección: Amanda Lipitz
Producción: Amanda Lipitz, Steven Cantor

Stepdancing
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Qué es el Step Dancing?

El Step Dancing es una manera de bailar que utiliza en propio cuerpo para producir todos los ritmos y sonidos que puedan producir con su propio cuerpo, mezclados y combinados de una forma compleja, creando polirrítmias y estructuras rítmicas complejan.

Este tipo de danza se suele practicar en grupos y en una formación estructurada, que transmite disciplina y orden visualmente. Las coreografías se han de realizar minuciosamente, mezclando pasos o pisotones, palabras habladas y palmadas (los elementos más sonoros y físicos de la percusión corporal).
En el Step Dancing o Stepping puede haber música, pero normalmente todo lo que suena son los sonidos ejecutados por los integrantes de la agrupación con su cuerpo o también con accerorios sonoros. Puede que las coreografías posean pasos gimnásticos o acrobáticos y alguna influencia estética del break dance, de la danza africana o de la danza brasileña.


¿Por qué usar el Step Dancing en la educación?

El Step dancing favorece el aprendizaje de música a través de ritmos complejos, la coordinación y el desarrollo psicomotriz, junto con la lateralidad. Además favorece las relaciones sociales entre los integrantes del grupo, siendo la ganancia social uno de los puntos más favorables de este estilo en los niños y adolescentes.

 


El nivel de descarga energética y física y la disciplina y precisión que conlleva el Step-dancing, confeccionan una herramienta excepcional para el trabajo musical, educativo y social con adolescentes.


Además de todo lo que nos puede aportar esta danza, el Stepping es una manera perfecta de divertirse y desarrollar la creatividad, incrementando la autoestima y favoreciendo la expresividad y comunicación a nivel individual y grupal.
Seña Soundpainting
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Taller de Soundpainting aplicado a la Musicoterapia

Hace unos meses recibí la propuesta de realizar un taller vivencial sobre el Soundpainting como herramienta para trabajar con las personas en una formación Intensivo de Musicoterapia en Barcelona.

Gracias a una etapa laboral muy bonita en la que trabajé durante un largo tiempo trabajando en un proyecto artístico, pedagógico y social, pude conocer este lenguaje. El Sounpainting te permite conducir a grupos de músicos o no músicos en sus propias improvisaciones. La verdad es que desde el momento en el que conocí el lenguaje me sentí muy cómoda con él, viendo además infinitas posibilidades y aplicaciones con las señas en todos los ámbitos en los que he podido especializarme y trabajar.

Después de diversos años experimentando y aprendiendo  sobre el Sounpainting en diversos cursos y masterclasses, habiéndolo aplicado tanto en el ámbito pedagógico como en el terapéutico, y haberlo experimentado como músico en agrupaciones y conjuntos, puedo decir que me sentía muy a gusto con los contenidos que me pedían que ofreciera en el taller.

Preparar una formación para adultos me suponía una experiencia completamente nueva que me resultó muy apetecible y ahora ya puedo comentar el resultado de lo que ha sido una gran experiencia: las horas pasaron rápidas y divertidas, pudiendo disfrutar enormemente de la oportunidad de compartir algo que yo amaba y conocía, además de mi propia experiencia.

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Dicho todo esto puedo decir que la experiencia fue realmente gratificante y agradecer enormemente a Cecilia Barrios y a su espacio Altraforma por facilitarme este espacio creativo y un grupo de trabajo tan agradecido.

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Improvisación conducida

La improvisación es el arte de componer un producto ya sea musical o de otra naturaleza en el momento, pudiendo ser de forma completamente espontánea y sin previa organización, o teniendo ciertas pautas predeterminadas como un guion que nos permite organizar el discurso-.

Para poder realizar música improvisada se debe adquirir una dimensión personal diferente a la habitual: la persona que crea debe situarse íntegramente en el aquí y ahora, dejando que surja la creatividad, la imaginación y la intuición.

Una improvisación puede ser conducida, puede tener un director que marque lo que se ha de hacer en cada momento a los intérpretes. El hecho de que la improvisación pueda ser guiada hace que adquiera un valor añadido a nivel pedagógico y musicoterapéutico, haciendo de la creación un elemento idóneo para trabajar con las personas o enseñas cualquier contenido musical.

Gracias al trabajo de algunos autores disponemos de diversas metodologías elaboradas y desarrolladas durante largo tiempo que nos permiten y enseñan a utilizar ciertas señas y nuestro propio cuerpo para comunicarnos con los intérpretes, y poder ir componiendo con los elementos que van surgiendo.

  • El Soundpainting, Walter Thompson

El Soundpainting es un lenguaje de señas de más de 1500 gestos, ideado y desarrollado por Walter Thompson en Woodstock (NY) desde 1974 hasta el día de hoy. Se trata de una forma de conducción diseñada para comunicarse tanto con músicos, actores, bailarines y artistas visuales.

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Conducción interdisciplinar

 

  • Conducción, Lawrence D. Butch Morris

El concepto de Conducción para referirse a la improvisación libre dirigida fue impulsado fuertemente por Butch Morris en EEUU. Morris diseñó sus propias señas para dirigirse con músicos de cualquier estilo y componer a tiempo real  mediante su propio lenguaje de señas.

“La Conducción es una teoría, un método, un formulario de signos idiográficos y gestos que se usan para modificar o construir una composición musical o arreglo en tiempo real. Cada signo o señal contiene información general para la transmisión y la interpretación, que ofrece posibilidades instantáneas de alterar o iniciar ritmo, melodía, armonía, articulación o fraseo, y el diseño de la forma y la estructura”

L.D. Butch Morris

  • Ritmo y percusión con señas, Santiago Vázquez

Santiago Vázquez, inspirado por el trabajo previo de Lawrence D. Butch Morris, aplicó este tipo de conducción al campo de la percusión, proponiendo una auténtica y completa metodología basada en señas para comunicarse rítmicamente con los músicos.

Ritmo y percusión con señas se ha convertido por su simpleza y familiaridad en una herramienta perfecta para la integración, traspasando las barreras del escenario para ser utilizado en otros contextos: educativos, terapéuticos, sociales…

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Impro Fest 2018 – Barcelona

Barcelona acoge de nuevo y el Festival de de música y artes improvisadas, del 1 al 11 de marzo en el Centro Cultural Albareda y otros espacios urbanos. Se trata ya de la tercera edición de este Festival; se reúnen diferentes músicos y artistas improvisadores de la ciudad de Barcelona para mostrarnos cómo se está desarrollando tanto el arte contemporáneo como la Improvisación en la ciudad condal. Una semana para disfrutar de actuaciones, conciertos, talleres, etc.

El arte improvisado tiene una personalidad muy marcada: posee unas particularidades y diferencias respecto a otras modalidades artísticas muy fuertes. Actualmente el colectivo de artistas que practican la improvisación y la incorporan en sus productos es ya groso, además de creciente. Cada artista improvisador deja que su arte fluya, tiñendo así de personalidad y autenticidad sus obras.

Programa Impro Fest

Pagina web del Festival: https://bcnimprofest.tumblr.com/

 

 

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Creatividad musical en el aula

Para las personas que viven cerca de Lleida, el 3 de Marzo se celebrará la IV Jornada de educación musical, destinada a todos los profesores de música interesados. La actividad además coincide con el cierre de actividades conmemorativas de el año Granados que organiza el departamento educativo,

La formación será destinada a potenciar la creatividad en el  auula de música, entre otras actividades y sorpresas, y se podrá disfrutar de la presencia de los especialistas: Eduard Masdeu, Josep Manel Vega i Mª Jesús Camino.

Se trata de un punto de encuentro para descubrir nuevas propuestas, compartir ideas y facilitar herramientas para aplicar en el día a día de nuestras aulas.

Esta propuesta es iniciativa de el Seminario de Música Interacción entre la música y el Aprendizaje integral y el Grupo de Trabajo Recursos y Referéncias metodológicas a la Educación Musical.


FECHA : 3 de març de 2018

Horari: 9 – 14 h

Logar: Escola Oficial d’Idiomes

PROGRAMA

INSCRIPCIÓ

WEB DE LA JORNADA