niños jugando música
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Enseñar música es jugar con los alumnos

Hace ya un buen tiempo que docentes, profesores y especialistas en la educación musical se pusieron de acuerdo en ciertos parámetros comunes: unos objetivos a los que todo docente musical ha de aspirar y debe alcanzar:

  1. Desarrollo de las destrezas musicales: entre estas podemos encontrar el dominio de la lectura y escritura, la interpretación y la expresión musical.
  2. Obtener una capacidad de comprensión y apreciación reflexiva y abierta de los fenómenos musicales

Así visto parecen unos parámetros del todo coherentes, incluso evidentes, pero…

¿Por qué le cuesta tanto al docente salir del primer punto?

Tradicionalmente la educación musical ha venido «auto-limitándose» al aprendizaje de la música escrita y leída, dejando de lado el crecimiento y desarrollo sensitivo y emocional del aprendizaje.

Clase música niños
Clase música niños

Para poder transmitir de forma adecuada estas dimensiones, la sensitiva y la emocional, y para lograr un aprendizaje más íntegro, el docente ha de volver a ser un niño. No se trata de olvidar lo aprendido, sino de volver a experimentar, de permitirse descubrir, sorprenderse y jugar. Si el punto de partida es ese estado humildad y de pureza que se encuentra con nuestro «niño interior«, el aprendizaje será un juego, una experiencia singular y exclusiva que se convertirá en amor por la música.

«La música expresa todo aquello que no puede decirse con palabras
y no puede quedar en el silencio«

Víctor Hugo

Un fenómeno curioso que se me repite constantemente en las conversaciones que mantengo, es cuando sale el tema de la música con alguna persona que no ha podido profundizar en este tipo de experiencia que trato de transmitir. Entonces… caen esas recurrentes frases, como una gran jarra de agua fría…

«La música no es lo mío, no me gusta»
«Si yo me esforcé y quería aprender, pero se me da fatal»
«No canto porque no afino»
«No toco porque no tengo ritmo»

Si reflexionamos ante estas reacciones, se ve claramente un rechazo a disfrutar de la música, de vivirla y experimentarla… Porque las vivencias que han tenido se han centrado en el primer punto, en la lectura y escritura musical, y han reducido la intención de descubrir y aprender de estas personas.

Volver a sentir ese niño musical que tenemos va a permitir llegar a estas personas y otorgarles buenas experiencias y vivencias musicales. Aprender un lenguaje como lo es la música implica sentirlo, copiarlo, experimentarlo, jugar con él. El método correctivo, explicar basándose en si está bien o mal leído o escrito no nos va a permitir pasar por todo el proceso que requiere este aprendizaje.

Cuentos musicales portada
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Piano actual – Cuentos musicales para niños de 7 a 99 años

Hoy recomendamos un maravilloso libro de música que nos servirá para preparar sesiones de nuestra programación a más de uno.

Piano actual – Cuentos musicales para niños de 7 a 99 años,

de Liliana Maffiotte.

Al acabar su carrera musical y docente, Liliana Maffiotte dedicó su nuevo tiempo libre a escribir esta obra, que después fue editada y distribuida por Ediciones Boileau.

Se trata de una recopilación de cuentos musicalizados con el piano, usando recursos sonoros y técnicos sencillos de la música contemporánea. Cada efecto describe una acción o un elemento del cuento: goteo de lluvia, sol resplandeciente, etc.

Con este fantástico material, cualquier persona sin necesidad de tener conocimientos previos de música o piano, puede musicalizar una historia. Al leer los cuentos junto con la partitura se familiarizarán rápido con las grafías más usuales de la música contemporánea, que son tan diferentes a las que estamos acostumbrados tradicionalmente. Los cuentos los podemos en castellano, inglés o catalán.

grafía musical contemporanea
Un ejemplo de cómo tocaríamos las gotas de la lluvia.

Este libro fue pensado para llegar a todos los públicos y todas las edades (por eso su propio título), habiéndose sorprendido incluso la misma autora por la infinidad de posibilidades y aplicaciones que ha demostrado tener.

Liliana ha podido comprobar la funcionalidad de su material no sólo en el mundo académico de la música del que proviene, sino que ha podido usarlo en ámbitos propios de la musicoterapia: niños hospitalizados, adultos con necesidades especiales, reclusos en prisiones, e incluso familias en riesgo de exclusión.

 

Hay que decir que el instrumento a utilizar ha de ser melódico, ya que utiliza mucho las diferentes alturas y registro de los sonidos.


Si eres músico, musicoterapeuta o profesor de música seguro que te encantará este material para usarlo en tus sesiones.

Si por lo  contrario no vienes del mundo de la música te encantará también, ya que está pensado también para ti.

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Cómo enseñar a tocar un Blues

Una de las actividades que más me gusta hacer con los alumnos, tanto por lo divertida y amena que resulta como por lo agradecido de su resultado estético, es el Blues.

El Blues es un género músical instrumental y vocal, basado en el uso de las notas de la escala de Blues junto con ciertas progresiones armónicas también específicas del género. El origen de este estilo musical se remonta a las comunidades afroamericadas de los EEUU, donde se desarrolló a partir de cantos que acompañaban en las circunstancias sociales y vitales: cantos de trabajo, cantos de oración, gritos de campo, etc. Dada la situación de las comunidades afroamericanas en aquel entonces, el Blues ha tenido un caracter de tristeza desde sus comienzos.

BLues

Blues, el mismo nombre de este género quiere decir tristeza.

 

¿Qué nos aporta el Blues en la enseñanza?

  • Estructura: Este género musical tiene una estructura muy cerrada, normalmente de doce compases que se repite. Los alumnos aprenderán a organizar el sonido en el tiempo y aprenderan la estructura musical
  • Melodía y armonía: Se puede aprender la escala de Blues, así como los grados armónicos principales de forma sencilla.
  • Creatividad: Dado que el Blues se ha de improvisar, nos ayudará a despertar las facetas y habilidades más creativas de los alumnos.

 

Tocar un Blues lo puedes tocar con cualquier edad; se puede tocar solo o en grupo, o también acompañado por un profesor de música o un musicoterapetu también, dependiendo del contexto, tal como se explica en este video.

 

Otra cosa importante es que este género de música puede sonar muy bonito con pocas herramientas o pocos elementos musicales disponibles; esto hace que el blues sea idóneo para personas que no saben o que empiezan a tocar.

 

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Improvisación conducida

La improvisación es el arte de componer un producto ya sea musical o de otra naturaleza en el momento, pudiendo ser de forma completamente espontánea y sin previa organización, o teniendo ciertas pautas predeterminadas como un guion que nos permite organizar el discurso-.

Para poder realizar música improvisada se debe adquirir una dimensión personal diferente a la habitual: la persona que crea debe situarse íntegramente en el aquí y ahora, dejando que surja la creatividad, la imaginación y la intuición.

Una improvisación puede ser conducida, puede tener un director que marque lo que se ha de hacer en cada momento a los intérpretes. El hecho de que la improvisación pueda ser guiada hace que adquiera un valor añadido a nivel pedagógico y musicoterapéutico, haciendo de la creación un elemento idóneo para trabajar con las personas o enseñas cualquier contenido musical.

Gracias al trabajo de algunos autores disponemos de diversas metodologías elaboradas y desarrolladas durante largo tiempo que nos permiten y enseñan a utilizar ciertas señas y nuestro propio cuerpo para comunicarnos con los intérpretes, y poder ir componiendo con los elementos que van surgiendo.

  • El Soundpainting, Walter Thompson

El Soundpainting es un lenguaje de señas de más de 1500 gestos, ideado y desarrollado por Walter Thompson en Woodstock (NY) desde 1974 hasta el día de hoy. Se trata de una forma de conducción diseñada para comunicarse tanto con músicos, actores, bailarines y artistas visuales.

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Conducción interdisciplinar

 

  • Conducción, Lawrence D. Butch Morris

El concepto de Conducción para referirse a la improvisación libre dirigida fue impulsado fuertemente por Butch Morris en EEUU. Morris diseñó sus propias señas para dirigirse con músicos de cualquier estilo y componer a tiempo real  mediante su propio lenguaje de señas.

“La Conducción es una teoría, un método, un formulario de signos idiográficos y gestos que se usan para modificar o construir una composición musical o arreglo en tiempo real. Cada signo o señal contiene información general para la transmisión y la interpretación, que ofrece posibilidades instantáneas de alterar o iniciar ritmo, melodía, armonía, articulación o fraseo, y el diseño de la forma y la estructura”

L.D. Butch Morris

  • Ritmo y percusión con señas, Santiago Vázquez

Santiago Vázquez, inspirado por el trabajo previo de Lawrence D. Butch Morris, aplicó este tipo de conducción al campo de la percusión, proponiendo una auténtica y completa metodología basada en señas para comunicarse rítmicamente con los músicos.

Ritmo y percusión con señas se ha convertido por su simpleza y familiaridad en una herramienta perfecta para la integración, traspasando las barreras del escenario para ser utilizado en otros contextos: educativos, terapéuticos, sociales…